Ez3kiel est un groupe originaire de Tours qui se rit depuis toujours des étiquettes. Il a démarré avec un album orienté dub, puis a sévi avec de l'electro à tendance acoustique, ou pas, selon les opus. Avec The Napthaline Orchestra, Ez3kiel fait une de fois plus valser l'electro telle qu'on pourrait l'imaginer. A Grenoble, les musiciens se lancent dans un projet fou : ré-orchestrer plusieurs de leurs morceaux (issus majoritairement de l'album Naphtaline mais aussi de Battlefield et Barb4ry) et les interpréter lors de concerts bien particuliers, puisqu'ils y seront accompagnés par un orchestre symphonique pour lequel ont justement été ré-orchestrés les titres. Et, devenu depuis longtemps groupe à succès, Ez3kiel n'a pas pour autant oublié ses racines. C'est le concert qui eut lieu à Tours, joué avec l'orchestre symphonique de la ville, qui est immortalisé sur ce disque. Un concert mémorable, car le groupe a toujours eu l'habitude de mêler musique et images, Yann Nguema, son bassiste, créant les artworks mais aussi des animations imagées projetées sur écran lors des représentations. Les absents de la tournée de The Napthaline Orchestra pourront se consoler avec le DVD présent sur l'album. L'artwork est une fois de plus très soigné. Les couleurs et les illustrations rappellent de loin celles de Naphtaline. Elles représentent des femmes, presque statues, où s'enroulent des serpents, où se dessinent des fissures. Des femmes mystérieuses autant qu'étranges qui invitent à écouter et à voir. Quant au contenu de l'album… ah ! Si je n'y viens que maintenant, c'est que des frissons me parcourent encore la colonne vertébrale. Je n'ai pas eu loisir de découvrir ces ré-orchestrations en live, mais qu'elles sont magistrales rien qu'à l'écoute de la galette ! Les morceaux, même bien connus, gagnent de nouvelles dimensions. Ils étaient déjà fort bien ciselés, mélancoliques ou explosifs selon les cas, mais là, avec toute la puissance et la qualité d'instruments classiques en plus, les émotions sont démultipliées. Les morceaux, re-découverts. Ré-inventés. Il s'agit bel et bien d'une « ré-orchestration », non d'une simple adaptation. On aura beau reconnaître les mélodies bien connues du Lac des signes ou d'Adamantium, voilà que de nouveaux instruments font leur entrée et les modifient, changent la mélodie, la transforment tout en la respectant. Un véritable tour de force, une vague d'émotion musicale qui emporte tout sur son passage. Il m'est difficile de détailler plus avant les nouveautés, de décrire avec précision quels instruments apparaissent, pour transformer tel titre. J'ai beau essayer, rien à faire : la musique m'emporte, balaie mes pensées, brouille mes idées et me percute en pleine poitrine. Touchée à l'âme, me voilà partie en d'autres terres, portée par ces morceaux que je croyais connaître et qui me démontre que non. C'est tellement fort que ce pourrait être la bande originale d'un film. À ceci près qu'il n'est nul besoin de film : la musique se suffit à elle-même. Elle transporte assez d'émotions pour vous faire vibrer. Profondément.

Découvrir un extrait de The Naphtaline Orchestra

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=AR2voYtGutA[/youtube]

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Mint Julep, c'est le nom d'un alcool à base de menthe, de sucre, de bourbon et d’eau. C'est aussi le nom du duo américain formé par Keith Kenniff et sa femme Hollie. Keith Kennif est d'ailleurs connu aussi sous d'autres pseudonymes, pour d'autres compositions musicales de son cru. Mais c'est le premier album de Mint Julep, Save Your Season, qui nous intéresse. La pochette, déjà, attire par sa mélancolique poésie, avec cette femme flottant dans l'onde obscure et trouble. Et il est vrai qu'à l'écoute de l'album, on se sent vite submergé, enveloppé d'une vague triste et douillette. L'électro shoegaze de Mint Julep fait son effet, accentué par la voix douce et monocorde de Hollie. De refrains entêtants en nappes réverbérées de guitares, nous voilà bercés, embrumés. Entre Days Gone By et sa triste sérénité pleine d'espoir, les rythmiques prenantes de To The Sea où Hollie nous convie avec ardeur pour un voyage ressourçant, ou les envolées pop de Cherry Radio, les titres se ressemblent pourtant dans la façon dont les instruments finissent par tisser un véritable cocon de notes. La voix de la chanteuse, qui a malheureusement tendance à garder le même ton, achève de nous emmener au bord des bras de Morphée. Ce n'est pas un mal cependant, puisque Save Your Season est parfait pour regarder la pluie tomber d'un ciel plombé le long des vitres, quand l'humeur est au diapason, et qu'on a juste envie de rester blotti sous la couette, entre rêve et spleen. Au fond, Mint Julep porte bien son nom. A la fois pastel et désenchanté, magique et désabusé, comme une bande-son adolescente. Et, à l'instar du cocktail dont il porte le nom, à écouter avec modération, quand l'envie de se replonger dans ces années troubles nos prend.

Regarder le clip de Why don't we

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=5LxckeXA5tY[/youtube]

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Ça fait du bien là où ça fait mal : Apokalypsis commence par vingt secondes de cris bizarroïdes, mi-humains, mi-animaux, d'une femme qui semble possédée. Passée cette épreuve, on décolle avec Mer et son rythme de basse entêtant, sa voix spectrale et sa somptueuse lumière noire. Un rythme tribal patiné par des guitares léchées et une production toute en rondeur achève d'introduire cet album court mais intense. Apokalypsis… Movie Screen tombe là comme une faille spatio-temporelle fissurant l'album en deux parties. Post-rock en diable et éminemment cinématographique, ce titre rappelle le genre d'ambiance posée par Radiohead dans son Talk Show Host. Des morceaux de métal sont traînés par terre, le rythme lancine et hypnotise, tandis que Wolfe survole la scène avec sa voix d'oracle funèbre. Et toujours les guitares, saturées, cinglantes, à la fois mélodies et cris, tandis que la bobine continue de se dérouler. C'est comme un écran de cinéma. L'album est difficile à classer : post-rock oui, noise, witch house, shoegaze voire folk metal par moment, avec ce je ne sais quoi de magie noire, de philtres empoisonnés et de malaise tangent. Dix morceaux comme autant d'incantations minimalistes, dont émane pourtant une puissance émotionnelle qui foutrait presque mal à l'aise. Niveau références, impossible de ne pas penser à P.J. Harvey pour la voix et le rock, à Sonic Youth et même un peu à Portishead. Mais Apokalypsis déroule sa propre histoire, et établit son propre dogme, à l'apogée duquel se trouve Pale on Pale, une litanie métallique et sinueuse, d'où émane le doux parfum de la fin du monde. Ce disque n'a rien d'éthéré. Ce disque est du plomb. La musique elle-même est portée par des visuels obscurs et vintage : la musicienne raffole de l'imagerie gothique, des typographies grecques et autres symboles ésotériques. Tout pour plaire, donc.

Different Stars est à ranger à côté de The Fool de Warpaint : même mélancolie, même latence, même vulnérabilité. Et puis, même importance sur La Lune Mauve : indispensable, sur le mode c'est exactement nous. Pas évident de décrire un tel album, tellement il ne ressemble à rien de populaire. Les 11 morceaux de Differents Stars sont de longues et lentes mélopées tristes, où des nappes de claviers, les lamentations d'une guitare et une batterie discrète laissent la place à la voix calme et cristalline de Anna-Lynne Williams, qui rappelle un peu celle de Hope Sandoval (Mazzy Star), en plus grave. Down-tempo, l'album voit la chanteuse déclamer des paroles à briser le cœur, sur fond d'instrumentations éthérées. Different Stars n'est pas facile d'accès. Même si, une fois arrivé au cœur de cette cathédrale sonique, tout semble couler de source – mise en musique de nos propres émois. C'est un album lancinant qui jouerait presque avec les nerfs de l'auditeur, tant sa composition fait voler en éclat les traditionnels schémas de la pop, du rock et autre post-rock. Ici, on se méfie de l'eau qui dort, par erreur : le suspense est entier d'un bout à l'autre de l'album. Les rythmiques homogènes et régulières nous berceraient presque, si ce n'était ce chant hypnotique, résigné, comme un appel à l'aide persistant, mis en valeur par une production toute en rondeur. Remue ta flèche dans mon cœur, je ne ressens plus rien. On salue l'incroyable perfection de ce disque, à tout point de vue. Le juste dosage entre déluge d'émotions, pudeur, narration et musicalité. Vapour Trail est en soi un petit chef d'œuvre d'amour contrarié, à déclencher des frissons et une chair de poule embarrassante dès les premières secondes. Et que dire de Lie in the sound ? Beauté indescriptible. Ce n'est pas le type de disque médiatisé, ce n'est pas non plus le type de disque qu'on trouve facilement. C'est une merveille hypnotique, de la mélancolie liquide, un remède poétique à nos cicatrices. Profond, évanescent, émotionnellement lourd, Different Stars brille de mille feux dans la constellation de mes albums cultes.

I love you more than I should So much more than is good for me More than is good Oh the timing is cruel Oh I need and don't want to need More than I should

Découvrez « Lie in the sound » live

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=9JuSaiwSYE4[/youtube] Trespassers William interprète Lie in the sound pendant le festival Les Femmes s'en mêlent, à Paris, en 2004.

En savoir plus sur Trespassers William

• Site officiel de Trespassers William : à notre grand regret, le duo s'est séparé cette année, mais son site continue de communiquer sur l'actualité musicale de Anna-Lynne Williams et de Matt Brown.
• Lie in the sound, le site non officiel français dédié au groupe.
• Écouter leur premier album, Anchor, sur Bandcamp. En effet, cet album est devenu totalement introuvable.

Chroniquer un disque que j'ai tellement, tellement écouté ces derniers mois me soulage et m'embarrasse. Un peu comme si je dévoilais publiquement une porte directe sur mon jardin secret, ou un petit plaisir musical rien qu'à moi. Mais The Fool de Warpaint fait définitivement partie des albums lunemauviens : aussi sombre que lumineux, oscillant autour d'une mélancolie latente, et dont chacun des neuf morceaux se déroule telle une lamentation lointaine, bourrée d'étoiles. Je ne pouvais pas taire plus longtemps ce disque sublime. Warpaint, ce quatuor féminin originaire de Los Angeles, prodigue un rock alternatif lancinant tendance cold wave shootée à la bile noire. Pas d'extravagance, pas de clavier, très peu de sons synthétiques : ici les voix de Emily Kokal et de Theresa Wayman, plaintives, entêtées, entêtantes, n'ont rien de lyrique et planent sur le decorum désertique de l'album comme deux spectres blancs. La basse, omniprésente, enrichit son rôle rythmique grâce des arpèges chaleureux, qui participent pour beaucoup à la fascinante sensualité du disque, tandis que la guitare délivre des mélodies à tomber (le frissonnant Baby) et incisives (Bees, Shadows). The Fool est un joli petit tourbillon émotionnel : commencer à l'écouter, c'est prendre le risque de devenir très vite accro. Hypotique, l'album est également très mélancolique. Les paroles évoquent douleurs, absences et torpeur. Néanmoins, les morceaux sont relativement rythmés, mid-tempo cela va sans dire, et les riffs répétitifs, la production assez brut de pomme, et le chant éthéré font de l'album un rêve éveillé teinté de magie noire. Quatre petites sorcières qui ont élégamment tissé leur majestueuse toile. Quatre petites fées recouvrant la Terre d'un rock froid et désertique, qui réussit la prouesse d'allier subtilité à l'enivrement le plus complet. À ce stade, vous en êtes déjà à la troisième écoute, et le piège se referme sur vous ! Au sein de ce joyeux cauchemar, chaque chanson est un baiser ardent sur une peau froide comme la lune dixit Samuel Cogrenne sur Discordance. Voilà. Vous m'en direz des nouvelles.

Écouter « Warpaint »

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=7wATcZvB6rs#![/youtube]

En savoir plus sur Warpaint

• La chronique lyrique de The Fool sur Discordance.
• L'article Wikipedia consacré à l'album, avec un résumé intéressant des critiques qu'il a reçues.
• La chronique de The Fool sur Pitchfork.
• Le site officiel de Warpaint, avec news, bio, photos, clips et boutique !

La Chambre d'Echo – Where the Dead Birds sing est un concept album qui a particulièrement marqué les esprits. C'est non seulement un très bon album, mais c'est surtout un album qui se distingue grâce à la direction artistique de Joachim Luetke, partenaire créatif de longue date de Anna Varney Cantodea, la créature blanchâtre qui a enfanté Sopor Aeternus. La première édition de l'album n'était disponible que dans une édition limitée à 2000 exemplaires, très vite sold out : un coffret recouvert de tissu noir contenait une grande enveloppe cachetée par un sceau de cire noire, elle-même tamponnée du symbole de Sopor Aeternus. L'enveloppe contenait un livre de 128 pages dans lequel se trouvaient toutes les photos prises par Luetke, ainsi que des croquis et des textes. Cartes postales, marque-pages et autres gadgets complétaient ce coffret collector, vendu au prix de 90 €, qui est aujourd'hui introuvable. Qu'on se rassure : La Chambre d'Echo a depuis été réédité en format CD simple, ainsi qu'en format CD + livre, mais sans tout le decorum initial. [youtube]http://www.youtube.com/watch?v=mNtZSc6_oQk[/youtube] Revenons-en à la musique. Anna Varney a composé un album qui détonne dans sa discographie. L'ambiance est toujours majoritairement néo-classique et néo-médiévale, mais avec une omniprésence de sonorités électroniques : nappes de claviers, loops et autre boîte à rythme. Si ce melting pot musical surprend au premier abord, détonnant avec le son habituel de Sopor, on s'y fait très vite. Pis, les mélodies imbriquées les unes dans les autres se révèlent entêtantes et presque entraînantes ! C'est dire… Anna Varney a troqué pour l'occasion son chant aigrelet et bizarre au profit d'une voix claire et chantante, qui ajoute beaucoup de chaleur à ce disque définitivement hors norme. Niveau thématique, La Chambre d'Echo a été largement inspiré par Der Narrenturm (« La Tour des Fous »), un vieil hôpital psychiatrique autrichien devenu depuis un musée dédié à l'anatomie et aux pathologies du corps humain. À ce titre, les paroles de l'album se focalisent en particulier sur la folie et sur l'univers médical en général, à l'instar des visuels de l'album qui voient Anna-Varney emprisonné dans une camisole de force, avalant des tuyaux, mort, sur le point d'être autopsié, ou encore transformé en immonde ver géant… À travers toutes ces photos, c'est l'aboutissement de sa singularité, un mix entre beauté et terreur, monstruosité et esthétique, enfance et mort. Avec le recul, la couleur était annoncée par le titre : « La Chambre d'Echo », un mix entre la musique de chambre néo-médiévale – violons, violoncelle, hautbois, basson, trompettes, trombone, tuba – et la musique électronique (une chambre d'écho est un effet musical qui retarde le son pour lui donner l'effet d'un écho), le tout évoquant la chambre capitonnée d'un asile, dans lequel les cris des suppliciés résonnent en vain…

En savoir plus sur « La Chambre d'Echo » de Sopor Aeternus

• La chronique de Obsküre
• La chronique de Premonition
• Un aperçu de l'artwork de Joachim Luetke
• Le site officiel de Sopor Aeternus

Après un premier album très remarqué, Lungs, Florence + the Machine revient avec Ceremonials. Plus lissé mais tout aussi foisonnant, plus emphatique, presque trop même, ce second album mêle allègrement la pop au baroque, le tempo dansant aux thèmes les plus sombres. Florence, c'est Florence Welch. Cette anglaise excentrique est le moteur du groupe et l'auteur de tous les morceaux de Ceremonials, seule ou en collaboration. The Machine, ce sont les musiciens avec qui elle travaille. Florence, avec sa musique qui mélange divers instruments - choeurs, célesta, harpe, guitare, synthétiseurs, violon, percussions... - pourrait être la petite soeur de Bat For Lashes. Mais une petite soeur étincelante, énergique, qui déploie toute sa voix et tous ses états d'âme avec violence et superbe, quitte à éclipser tous les autres artistes mouvant dans le même genre musical. Ceremonials, comme son titre l'indique, invite l'auditeur à suivre la prêtresse Florence dans douze chansons. On débute en croisant le fantôme de la grand-mère de Florence, avec Only if for a night. Un titre solennel autant que fort qui ouvre les cérémonies à venir. What the water gave me et Never let me go se suivent et évoquent tous deux la noyade. What the water gave me présente en filigrane l'image de Virginia Woolf se suicidant dans une rivière, les poches remplies de pierres. La chanson est sur le fil au début, oscillant entre le rythme et un déluge de musique, avant de plonger dans un maëlstrom d'instruments comme on se laisse submerger par le courant et la folie. Never let me go présente une noyée suppliant les vivants de ne pas l'oublier. Une chanson poignante et apaisée sur la difficile étape qu'est la mort. No light no light est un message autant d'amour que de souffrance à l'être aimé, presque un chant de dévotion ; Shake it out porte sur la difficulté de composer avec ses propres démons, sur un rythme punchy et gai. Une contradiction que l'on retrouve avec Breaking down, où le thème de la dépression se mêle à une chanson joyeuse, comme une comptine. Seven devils, mise en garde d'un fantôme en devenir, hante de sa mélopée envoûtante et dangereuse. Lover to lover, aux allures de chant gospel, est l'amère constatation d'une personne qu'il n'y pas de rédemption pour elle. Des cérémonies, nous disions ? Entre l'accompagnement musical qui se déploie en flèches de cathédrales, imposant, les percussions qui se font tribales ici et là, les choeurs gospels, les évocations du péché, de la rédemption, des démons que l'on porte en soi, des lignes de la main (Heartlines) ou de la lecture de présages dans des entrailles d'animaux, on est pris du début à la fin par la voix enchanteresse et puissante de Florence, par ses incantations et ses chansons libératoires. Ceremonials, c'est une ode à l'âme, à ses souffrances comme à ses espoirs. Une ode à la vie, en somme, où le coeur est touché, blessé et enjoué, où le corps est poussé tant à danser qu'à à être abandonné. Où la joie se mélange à la tristesse la plus profonde, dans un hymne à l'âme humaine dans son entier, dans toute la palette de ses sentiments.

Le clip de Never let me go

[youtube]http://www.youtube.com/watch?v=zMBTvuUlm98&ob=av2e[/youtube] And it's peaceful in the deep, Cause either way you cannot breathe, No need to pray, no need to say Now I am under. And it's breaking over me, A thousand miles down to the sea bed, I found the place to rest my head. Never let me go, never let me go. Never let me go, never let me go.

Le grain de sable

La chanson Seven devils a été choisie comme bande-son pour l'une des bandes-annonces de la saison 2 de Game of Thrones. Il est vrai qu'à se pencher sur les paroles, on note une étrange similitude entre celles-ci et l'univers décrit dans les livres de G.R.R. Martin.

En savoir plus sur Florence + the Machine

• Le site de l'artiste
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• Ecouter Breath Of Life, son dernier titre, composé pour le film Blanche-Neige et le Chasseur et inspiré par la méchante sorcière

Deuxième album de Dead Can Dance, Spleen and Ideal s'inspire, comme son titre l'indique, des écrits de Charles Baudelaire et de Thomas de Quincey. deux poètes, l'un français l'autre britanniques, tous deux opiomanes. La couleur vert sombre qui encadre la photographie du livret n'est pas non plus sans évoquer l'absinthe, breuvage qui avait inspiré nombre d'artistes du XIXe siècle. Et c'est bien un certain spleen qui s'abat sur nous lorsqu'on écoute ce disque. Dès l'ouverture, même. Le solennel De Profundis (Out of the depths of sorrow), qui évoque le poème baudelairien De profundis clamavi, prend d'emblée dans ses filets, avec la voix de Lisa Gerrard qui y résonne de façon spectrale, comme une supplique venue du fond des âges.  Avant de se conclure sur des choeurs masculins presque religieux, quoique légers, accompagnés de cloches. Comme un glas. On poursuit avec quelques titres tous aussi solennels (Ascension et ses tristes trompettes funèbres), des chansons chantées par Brendan Perry, dont le timbre grave fait pendant à la puissance féminine de la voix de Lisa Gerrard, et d'autres où des échos tribaux semblent résonner, entre percussions enlevées et chant ensorcelé. Mais globalement, la note est la même : tantôt lourde, tantôt évanescente, tantôt lente, tantôt saccadée, tantôt appel de celui qui cherche la rédemption (Enigma of the Absolute), tantôt chant énigmatique, plein de force, d'une muse inquiétante (Avatar)... Le spleen est là, qui abat l'esprit sous son nuage sombre. Tandis que s'élève l'espoir d'un impossible idéal avec Indoctrination (A design for living). Spleen and Ideal. Deux mots qui suffisent à résumer cet album où Dead Can Dance a réussit, avec brio, à retranscrire l'atmosphère née des écrits de Baudelaire et de Quincey. Un mélange éthéré et pourtant pesant, tirant sur un néoclassique en proie aux tourments de l'âme. Parfaite traduction musicale du spleen.

"Quand le ciel bas et lourd pèse comme un couvercle Sur l'esprit gémissant en proie aux longs ennuis, Et que de l'horizon embrassant tout le cercle Il nous verse un jour noir plus triste que les nuits ; [...]" Charles Baudelaire, début du poème Spleen (LXXVIII)

Le grain de sable

Spleen et idéal est aussi le titre d'un recueil de poèmes de Charles Baudelaire, où se trouvent plusieurs textes intitulés Spleen. Une lecture fortement recommandée lors de l'écoute de ce disque.

"Across the sea lies the fountain of renewal Where you will see The whole cause of your loneliness Can be measured in dreams That transcend all these lies" Enigma of the Absolute

Pour aller plus loin

• Le site de Dead Can Dance
• Un site consacré à Charles Baudelaire, comprenant biographie, oeuvres en ligne, articles, axes d'études de son oeuvre... en un mot, complet!
• La page Wikipédia consacrée à Thomas de Quincey

Plus de dix ans après son premier album solo, Brendan Perry, ex-membre et fondateur du groupe Dead Can Dance, revient avec un nouvel opus dont la qualité est telle qu'elle éclipse ces longues années de silence. A l'image de la pochette, l'album apparaît comme une lumière au coeur de la nuit, un bijou musical qui éclaire l'âme enténébrée. L'esprit de Dead Can Dance plane d'ailleurs sur deux titres qui ouvre et ferme respectivement l'album : Babylon et Crescent - ils ont d'ailleurs été composés pour les tournées d'adieux du groupe. Une façon de montrer que Brendan Perry, bien qu'officiant désormais en solo, était avec Lisa Gerrard une composante essentielle de Dead Can Dance. Babylon, avec ses percussions et ses instruments aux sonorités tant orientales qu'antiques, est une merveilleuse évocation des douceurs naturelles du monde, hélas trop souvent oubliées pour suivre les instances guerrières du gouvernement américain, l'Amérique étant ici comparée à une Babylone encore en paix mais proche du chaos... Une ouverture qui prévaut du contenu de l'album. Si la majorité des titres tient plus de l'electro et du dark wave que de la world music, comme Babylon l'aurait fait penser, le discours reste sans concession sur le monde actuel, tout en conservant une certaine poésie. Il y a le terrifiant Inferno dont les notes glacées montrent la passivité du spectateur confronté quotidiennement, via la télévision, aux horreurs qui se déroulent partout sur le globe, le petit écran devenant l'antichambre de l'Enfer. The Bogus Man, au titre très clair (il signifie "L'homme de paille") dénonce l'aveugle ambition des hommes politiques, qui enfle au mépris de toute vie. Quelques trompettes aux résonances apocalyptiques y surgissent régulièrement, telles des trompettes de Jéricho. Et que dire de The Devil and the Deep Blue Sea, qui malgré ses sereines notes electro évoquant à merveille les profondeurs de l'océan décrit les interrogations sur le devenir de l'Homme quand la mer sera privée de vies et le monde parvenu à sa fin ? Mais Brendan Perry n'oublie pas non plus l'introspection individuelle. Avec Wintersun, il évoque un homme souffrant de ne pas se sentir exister. Un titre poignant, déchirant, où la voix grave de Brendan Perry donne toute sa mesure à ce personnage qui ne trouve pas sa place dans l'Univers. Et cependant, malgré tous ces morceaux qui pointent de noires réalités, retentit une flamboyante note d'espoir. Ce phare dans la nuit, c'est Utopia, où un homme décrit son utopie rêvée, en harmonie avec la Nature et où lui-même et sa bien-aimée seraient libres d'être. Une mélodie sereine, pleine d'espérance, bouffée de rêve au sein de toutes ces prises de conscience. L'album se clôt donc avec Crescent. La boucle est bouclée, Ark se ferme comme il s'était ouvert, sur un titre digne de Dead Can Dance. Puissant chant d'amour marqué de mélancolie, ce titre aux instruments orientaux mêlés d'une discrète touche electro hypnotise et apaise. Ark, c'est tout un voyage au coeur de notre monde actuel, ravagé mais non dénué de poésie. Un monde qui peut, peut-être, être encore sauvé. Ce n'est pas pour rien que la pochette s'illustre d'un phare, ni que le titre de l'album soit Ark...

Le grain de sable

Un court et fort passionnant documentaire fait découvrir les coulisses de la création de l'album, tout en permettant d'en écouter quelques extraits.

"I feel greater than the sum of all my parts A domestic beast with a hairy heart Trapped within a walled suburbia I've found my tastes are somewhat underground Between the shadows and the cracks I am building my utopia" Utopia

Pour aller plus loin

• Le site de Brendan Perry
• Le site de Dead Can Dance

Cinq personnages sortis d’une Angleterre victorienne qui entament une séance obscure de spiritisme ; voilà la vidéo aux bandes vieillies qui illustre Raven’s Eye View, deuxième titre de l’album. Ces images offrent un bel aperçu de l’esprit des cinq anglais : occulte, victorien, obscur, fantastique et totalement baroque. Mis en musique, cela donne Opportunistic Thieves of Spring. Un deuxième album offrant six titres qui oscillent entre black métal, dark ambient et progressif, avec une touche d‘orientalisme. Le Club des Gentlemen (c’est le nom qu’ils se sont donnés) maîtrise une variété d’instruments comme le violon, le piano-forte et la flûte. Ces derniers sont savamment mélangés pour obtenir des titres de huit à seize minutes. Certains sont totalement baroques, avec des passages tantôt black métal, tantôt ambient ou acoustique, comme l’extraordinaire Raven’s Eye View. D’autres sont plus proches du progressif comme Summertide's Approach (et son début « cabaret ») et Delay's Progression. Le chant torturé de Mr Curse est parfaitement adéquat et sait se taire lorsqu’il le faut ; la plus grande partie du disque étant instrumentale. On retrouve aussi quelques vocalises de Katheryne Stone (qui a officié un temps dans My Dying Bride) sur le sombre et pluvieux Starfire's Memory, avec son long passage dark ambient. Opportunistic Thieves of Spring est une perle musicale, tant en créativité qu’en richesse sonore. Toujours sombre et mystérieux, A Forest of Stars intrigue et réussi à captiver avec son univers décalé et singulier.

Our sky, she’s full of lights, glinting through all that dark, uncaring. The Rats on the Moon are shielding their eyes, against the creeping, the crawling… « Thunder’s Cannonade »

Pour aller plus loin

• MySpace de A Forest of Stars
• Site de A Forest of Stars

Nous avions laissé Johnny Hollow sur ces terres étranges mouillées d’électro pop  : la lancinante petite musique a mûrie depuis, les racines ont grandi, et Johnny Hollow a planté ses griffes dans ce monde comme le curieux gentlemen poupin qui campe sur la pochette de Dirty Hands, environné de colibris, de fleurs maladives, de champignons nucléaires et de ciels d’apocalypse. Depuis, le groupe canadien nous donne des nouvelles du monde, ce monde fantastique, fantasmagorique, étrange violent et pathétique qu’est le nôtre : les territoires obscures ont définitivement fusionnés avec notre réalité dans une symphonie mécanique _un orchestre vibrant comme la domestication des chuintements et grincements des insectes _ , la bande son d’un film d’anticipation aux tonalités oniriques, nostalgiques et fantastiques. Dirty Hands cultive le goût de l’amertume et de la sucrerie. Du sucre avec les agaçantes petites comptines, les voix très douces, éthérées, les sons de la nature, la manie du chuchotement et des respirations ou l'étonnante nostalgie cristalline de Stone Throwers. De l’amertume avec ces cordes grinçantes, ces personnages féminins plus qu’inquiétants (la vengeresse de Boogeyman, la pyromane de Worse Things), ce goût pour le crescendo, le roulement de tambour et l’explosion finale. Dirty Hands fond sur la langue au choix comme cette poudre acide et sucrée qu’affectionnent les enfants ou comme un tampon d’acide, pour mieux nous dessiller les yeux : nous, nous partageons bien notre monde avec le Boogeyman et toutes ces créatures sœurs; nous en sommes.

« Once, when i was all alone, i coud no find the téléphone…so instead i burned your pretty home to the ground, to the ground, to the ground. » Worse Things

Johnny Hollow ?

• Vous pouvez écouter l'intégralité de l'album en ligne.
• Le site de Johnny Hollow.
• Le Myspace de Johnny Hollow.

Sens of Luna... Le sens de la Lune. Ou plutôt l'essence de la Lune. Groupe de musique originaire d'Angers, Sens of Luna nous propose de voyager sur l'astre lunaire au travers de sa musique. De découvrir son âme, ainsi que les petits bouts de lune qui dorment en nous. Leur premier maxi, au titre éponyme, se compose de cinq titres seulement. Mais cinq titres denses, cinq titres qui emportent. Entre electro douce et trip hop entêtant, où se glisse parfois une note jazzy ; entre mélodies hypnotiques, rêveuses, et rythmiques plus enfiévrées, on est happé dès la première note et on ressort tout ébloui de ce court disque. Le temps s'est distordu : on a cru voyager longtemps, hors de la réalité. La voix de la chanteuse, à la fois douce et forte, se pose sur un mélange harmonieux de batterie, guitares, basses, piano électrique et autres sons électroniques, ethniques, ou plus classiques, quelques sonorités de violoncelles apparaissant ici et là. Le tout forme un sortilège musical qui accapare l'esprit et ne lâche plus. Les textes en italien, français et anglais apportent une variété de tonalités qui souligne bien la variation autour des états d'âme lunaires. Sens of Luna, l'espace de cinq titres, nous a entraînés dans un ailleurs qui est aussi une part obscure, cachée en nous. Un groupe dont la musique remue l'âme, changeante comme la face que nous présente la Lune. A moins que ce ne soit sa face cachée qui nous est offerte ainsi?

En savoir plus sur Sens of Luna

• Leur page Myspace, pour écouter leurs titres

Là, au loins, il y a un village, ce village est notre village, et même si nous n'y allons pas, même si nous n'y restons pas, ce village est notre village. (...) J'ai entendu une douce voix, celle de ma mère auprès de moi, une lueur... un éclat... le bonheur, hélas, ce n'était qu'un rêve.

Les paroles du morceau Home (traduites ici en français) pourraient, à elles seules, évoquer toute la mélancolie et la poésie douce-amère de 3, cet album mystérieux et envoûtant. Troisième opus du groupe Deleyaman, cette formation apatride dont le cœur est directement relié à l'Arménie, 3 pourrait faire figure de musique sacrée du 21e siècle, capable de nous exalter précisément parce que l'album tire ses racines d'une culture millénaire. L'utilisation d'un instrument à vent arménien, le doudouk, accentue encore cet autre monde sculpté par les treize morceaux de l'album. Là où des groupes d'heavenly voices tels que Cocteau Twins ou Dead Can Dance ont pu marteler certains hymnes, Deleyaman pose un voile satiné sur notre esprit, et le laisse vagabonder aux quatre coins du monde. 3, ou une invitation à un voyage spirituel et poétique - pierre précieuse ciselée au moyen d'une orchestration impeccable. Certains rapproche le disque d'une possible musique de film, d'autres louent "l'humanité terrible" de cette œuvre magnifique. 3 est en effet jonché de secrets, protégés par l'utilisation de plusieurs langues. Ainsi, Home, réunit les langues arméniennes et turques pour la première fois depuis le génocide - piqûre de rappel que, même de l'horreur la plus absolue, l'espoir et la beauté subsistent. 3 est, en effet, un disque saisissant, impressionnant, même. C'est un bijou précieux hérité de l'histoire de notre humanité, un rituel profond et douloureux, une porte ouverte vers la contemplation la plus absolue.

En savoir plus sur 3

• Une chronique parfaite de l'album 3 de Deleyaman, sur Guts of Darkness
• L'avis de Fluctuat sur l'œuvre
• Ecouter l'album 3 de Deleyaman gratuitement sur Bandcamp
• Site officiel de Deleyaman

Goblin, formation italienne, avait débuté sa carrière avec la bande originale du film de Dario Argento intitulé Profondo Rosso (Les Frissons de l'Angoisse, 1975). Un très bon début dans cet exercice que le groupe réitère après leur excellent album Roller. C'est fois-ci pour le film Suspiria que le groupe collabore à nouveau avec le génial réalisateur italien. La musique du groupe est toujours aussi particulière et propre aux ambiances mystérieuses du film. Dès les premières secondes de Suspiria qui ouvre l'album sur une douce mélodie presque enfantine, on plonge directement dans l'ambiance glauque propre à M. Argento. Ce premier titre est le parfait exemple de la musique des Goblin puisqu'il évolue vite, rappelle parfois le Pink Floyd de Meddle, en passant par une partie particulièrement pesante où une voix murmure "Witch!" de manière vicieuse et malveillante. Et dans le genre glauque, le titre Sighs fait figure d'exemple tellement le groupe nous livre une musique qui semble possédée, cette ambiance démoniaque est d'ailleurs unique en son genre pour un groupe de rock progressif, qui fait de Goblin un groupe à part dans le courant prog italien (et international par la même) car il ne singe à aucun moment la musique de ses confrères de Le Orme, Premiata Forneria Marconi ou encore Banco Del Mutuo Soccorso. Avec cette deuxième bande originale de film d'horreur, le groupe est en train de passer maître dans cet art délicat et là où ils font très fort, c'est que ce troisième disque se suffit à lui-même, au-delà du film, l'intérêt de leur musique reste entier et l'on ne s'ennuie pas une seconde. Nul besoin d'avoir vu le film donc (surtout qu'il s'agit d'une part d'un style particulier, l'épouvante, et d'autre part, d'un réalisateur encore plus particulier, Dario Argento, qui est loin de plaire à tout le monde), mais il est vrai que les images du film resurgissent très vite à l'écoute de cet album et lui donne encore une autre dimension très intéressante. Mais pour se faire une idée, un titre comme Black Forest (ou encore Blind Concert au groove implacable) se suffit à lui-même et ravira tout amateur de rock progressif old-school. Ce Suspiria est certainement la plus grande réussite des Goblin en matière de musique de film et en matière de rock progressif, le groupe livre ici une œuvre à part, un univers globalement sombre, parfois même macabre, et un sens de l'occulte fascinant, passionnant et ce, rappelons-le, sans le moindre chant (si ce n'est les quelques voix d'ambiances du début). En résumé, une oeuvre unique! Chronique initialement publiée sur le webzine Progtheater, le Refuge des Musiques sincères.

Petit interlude parmi les chroniques de disques lunemauviens. Là où, d'ordinaire, nous fonctionnons au coup de coeur, nous souhaitons aussi mettre en lumière des groupes et des projets musicaux encore inconnus du grand public et qui, d'une façon un peu mystérieuse, ont croisé notre route à un moment ou à un autre, sans que nous les ayons vus venir. Näo n'est certes pas un robot, mais fait partie de ces rencontres du troisième type, agrandissant la brèche electronica sur l'Astre pourpre. Originaire de Chrysopolis (alias Besançon), nÄo est un projet solo né en 2002, « un ordinateur au bout des doigts et des idées plein la tête ». Ce projet excellemment bien produit pour un premier album est un melting pot downtempo, electronica et abstract hip hop, fondamentalement lunatique et lancinant. On est frappé par la nature quasi-cinématographique de l'album - rien d'étonnant à cela puisque nÄo est attiré par le cinémix au point d'avoir déjà recomposé la musique du film Metropolis. Inspiré par Amon Tobin, Aphex Twin, ou Boards of Canada, nÄo livre ici onze morceaux délicatement mélancoliques et néanmoins rythmés, comme autant d'envolées digitales. Le premier album de nÄo met en appétit, mais pourrait laisser sur sa faim l'amateur de mélodies franches et de musiques lumineuses. Tout ici est finement ciselé, discret, empruntant à une relative obscurité et se détachant totalement de la branche la plus répétitive de l'electro. On se trouve dans Picture This If You Will comme en plein milieu d'un rêve absurde, mais réellement fascinant.

Sur la piste de nÄo

• Le Myspace de nÄo
• 2 titres de l'album Picture This If You Will à télécharger gratuitement